sábado, 16 de mayo de 2009

¿QUIÉN ES VAMPIRELLA?

Traducido de http://vampirella.com por Luis Vega.

VAMPIRELLA: EL PERSONAJE

Vampirella es una sexy mujer vampiro nacida en Drakulon. En esta oscura versión del infierno, la sangre fluía como agua en inmensos ríos y Vampirella dependía de esta sangre para sobrevivir. Cuando Vampi llegó a la tierra, se vió forzada a beber la sangre de los humanos para sobrevivir.

Ya en la tierra, se le dió a Vampirella una misión sagarda – eliminar a los vampiros de la tierra, ¡la descendencia maligna de su madre Lilith! En su tarea, se ha enfrentado a enemigos poderosos, incluyendo a Blood Red Queen, Hemorrhage y hasta al legendario ¡Drácula!

En la búsqueda para descubrir su origen, Vampirella descubrió que ella es la primera de un nuevo tipo de vampiros, evolucionados para el nuevo milenio. No posee ninguna de las debilidades tradicionales de los vampiros – es inmune a la luz del sol, ajo, figuras religiosas, y hasta el agua bendita. Sin embargo Vampirella tiene fuerza sobrenatural, velocidad y fiereza, la mayor parte de su poder reside en su belleza icónica e irresistible sensualidad.

VAMPIRELLA: EL LIBRO

Vampirella debutó en 1969 en la revista en blanco y negro llamada simplemente VAMPIRELLA. Con una elegante portada del legendario Frank Frazetta, Vampirella #1 rápidamente hizo historia editorial. Vampirella apareció en este formarto de revista durante los 1970s. Muchas de esas clásicas historias fueron ilustradas por el legendario artista Jose Gonzalez y siguen siendo populares hasta el día de hoy. Después de una pausa editorial, Vampirella regresó en 1992 en un exitoso formato de cómic a todo color. ( ... ) Desde principios de los noventa, Vampirella ha aparecido en una nueva edición a color cada mes, escrita e ilustrada por los mejores talentos ¡dignos del rico legado de Vampirella! ( ... )

VAMPIRELLA: ¡EN CARNE Y HUESO!

A lo largo de sus treinta años de existencia, un sinnúmero de impresionantes modelos han personificado a Vampirella en la vida real. La Playmate Barbara Leigh fué la primera ( ... ) Hoy, la extraordinaria Scream Queen Julie Strain es la mas reciente femme fatale en traer a Vampirella a la vida en convenciones de cómics en todo el mundo y en las portadas de la revista.

VAMPIRELLA: LECTURAS ESCENCIALES
Dispnibles en vampirella.com

Vampirella Dracula War TPB : reimprime la primera miniserie a color de Vampirella, destaca Vampirella versus Dracula. Una excelente introducción al personaje.

Vampirella 25th Anniversary Special: Una antología de historias de Vampirella. Con una nueva portada de Frank Frazetta.

Battle Royale (Batoru rowaiaru) - Reseña y Trailer


 2000. Director: Kinji Fukasaku.
 
El director Fukasaku trae al mundo de las imágenes en movimiento la novela del nipón Koshun Takami, donde la sociedad japonesa comienza a sufrir los imparables actos de vandalismo juvenil en las aulas de las escuelas secundarias.
Actos que van desde abandonar la escuela a media clase y dejar esperando a los maestros, hasta atacar al director de la escuela con una navaja.
Ante esta situación el gobierno ha propuesto una solución, la -Millennial Reform School Act- algo así como el Acta Milenaria para la Reforma Escolar algunos mas la llaman el Acta BR.
Lo que el acta propone es la selección al azar de un grupo completo del 9o. grado japonés, para ser enviado -sin previo aviso, por supuesto- a una isla abandonada que ha sido totalmente convertida en un campo de batalla.
LAS REGLAS DEL JUEGO

Una vez que el grupo ha sido reunido para hacerles saber su situación. Están dentro de un juego mortal, donde sólo habrá un ganador y será el único que sobreviva despues de haber asesinado a todos sus compañeros.
El pánico y la incredulidad los domina. Todos portan una especie de collar que permite a un pelotón militar tener máximo control sobre ellos, en todo momento se sabe su ubicación, además de que el dichoso collar es una bomba lista para "castigar" a cualquiera que no cumpla con las reglas.
Estas son el tener que cargar con su equipo asignado: alimentos y armas.

 La repartición de las armas es risible porque mientras a algunos les toca una pistola o un cuchillo a otros los "arman" con sartenes. Además, toda la isla está dividida en sectores y les indican que ciertos sectores estarán prohibidos a ciertas horas, así que cualquiera que no cumpla con la regla... muere.
EDUCADOS PARA MATAR
Previsiblemente la cinta se convierte en un -matadero- de adolescentes, con una gran variedad de muertes violentas; sin embargo, el planteamiento de Fukusaku saca a flote al largometraje al darle un toque de humor negro. Mostrando principalmente las situaciones propias de los adolescentes de todo el mundo, pero agudizadas por las presión psicológica a la que son sometidos.

Los personajes principales corren a cargo de actores jóvenes que hacen una interpretación limpia. El principal antagonista cuyo nombre en la película es Kitano, corre a cargo del experimentado y reconocido actor y director japonés Takeshi Kitano, quien le da a la cinta el toque de humor negro del que ya hablamos.
Esta cinta es una maravilla, para el deleite exclusivo de los admiradores de la violencia explícita y los seguidores del cine oriental contemporáneo, que se ha encargado de traernos las mejores cintas de los últimos 10 años.

>> Battle Royale en IMDB

Citas citables:

Maestro Kitano: Esta es la lista de sus amigos en el orden en que murieron.
 
Maestro Kitano: La lección de hoy es... mátense entre ustedes hasta que sólo quede uno. Todo se vale.

Niida: Estoy enamorada de tí, en serio, desde antes.
Chigusa: Wow, genial. Lávate la cara e inténtalo de nuevo, si sobrevives.
Niida: Espera, ¿eres virgen, no?
Chigusa: Jó... de... me. Dios, ¿escuché bien a esta idiota?
Mitsuko: Muérete, feo.
>> Takeshi Kitano en IMDB
Nace el 18 de Enero de 1947 en Tokyo, Japón.
Se la acredita como:
'Beat' Takeshi, 'Bîto' Takeshi, Beat Takeshi
Filmografía básica como actor:

Izô: Kaosu mataha fujôri no kijin (2004)
Zatôichi (2003)

Battle Royale II (2003)

Batoru rowaiaru (2000)
Brother (2000)
Hana-bi (1997)
Filmografía básica como director:

Zatôichi (2003)

Brother (2000)

Hana-bi (1997)

Información obtenida en imdb.com

¡Marcianos al Ataque! (Mars Attacks!) - Trailer



 1996. Director: Tim Burton.
¿Recuerdas aquellas viejas películas que solías ver en las matinees dominicales?
Aquellas donde inmensas flotas de naves procedentes de Venus o Marte se cernían sobre la tierra a manera de carroñeros espaciales.
Bueno pues Mars Attacks es la versión moderna de esas fantasías propias de la guerra fría y la típica ignorancia gringa.
Y no había director mas indicado para realizar esta paródica versión de la cultura estadounidense que el mismísimo Tim Burton. Quien ya había dado muestras del potentencial de su imaginación con Edward Manos de Tijeras y el largometraje animado Nightmare Before Christmas, ademas de la revitalización de Batman.

Parecía inevitable que la cinta se convirtiera en un éxito de taquilla; ya que además de los talentos de Burton y el apoyo incondicional de la productora había que sumar al excelente reparto: Jack Nicholson (El Resplandor), Glenn Close (Relaciones Peligrosas), Annette Bening, Pierce Brosnan, Danny DeVito, Martin Short, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox y Rod Steiger entre otros.
Desafortunadamente el público no respondió como se esperaba y la crítica especializada no le tuvo contemplaciones. Al parecer, no le gustó a la mayoría cómo Burton se reía de las instituciones noreteamericanas y explotaba lo risible de los estereotipos campiranos y citadinos.
Si no has visto esta película QUE MAL, te has perdido de una de las cintas mas divertidas del siglo pasado.

>> Marcianos... en IMDB
Ficha:
Duración: 106 min
País: EUA
Idioma: Inglés/Francés
Color: Color (Technicolor)
Sonido: DTS / Dolby Digital / SDDS
Citas Citables:
Richie Norris: Quiero agradecerle a mi abuela por ser tan buena conmigo, y... y por ayudarme a salvar al mundo y todo.
[Al ver a un marciano en TV]
Primera Dama: No dejaré que esa cosa entre a mi casa.
Presidente Dale: Cariño, tendremos que hacerlo. La gente espera que los reciba.
Primera Dama: Bueno, no comerán de la porcelana Van Buren.
General Decker: ¡Intelectuales! ¡Liberales! ¡Pacifistas! ¡IDIOTAS!
General Decker: ¡Tenemos que atacar ahora, señor! ¡Aniquilar! ¡Matar! ¡Matar! ¡Matar! ¡Matar!
Rude Gambler: ¿Quieren conquistar al mundo?, van a necesitar abogados, ¿no?
Sue Ann Norris: Una cosa si te digo, no se llevarán la TV.
Aparato Traductor: No corran, somos sus amigos.
Información obtenida en imdb.com
Tom Yons

domingo, 10 de mayo de 2009

Kill Bill - Trailer


 Director: Quentin Tarantino. 2003.
La cuarta película de Quentin Tarantino es la historia épica de la búsqeda por justicia de una mujer, presentada en dos entregas.
En Kill Bill Vol. 1 el personaje del título, interpretado por DAVID CARRADINE, es una figura oculta que ha organizado el grupo elite llamado Deadly Viper Assasination Squad (Escuadrón de Asesinato, Víbora Mortal) o DiVAS. Todos los integrantes tienen un nombre código a propósito de serpientes venenosas, la más peligrosa de todas es la Black Mamba (Mamba Negra) interpretada por Uma Thurman, antigua amante de Bill.
Al inicio de la cinta un policía de Texas inspecciona una escena gris: todos los participantes de una boda han sido asesinados en una pequeña capilla rural.
La mujer embarazada con el vestido de boda salpicado de sangre es Black mamba, mejor conocida como The Bride (La Novia).
Bill y los Viper creen muerta a The Bride, desafortunadamente para ellos, sólo estaba en coma. La Viper -California Mountain Snake- también conocida como Elle Driver (DARYL HANNAH), se infiltra al cuarto de hospital donde yace The Bride, disfrazada de enfermera y blandiendo una jeringa, justo en el último momento posible es detenida por una llamada del mismísimo Bill. Cuatro años después, The Bride se despierta y se da cuenta lo que le hicieron.
Su primer objetivo entre los participantes de la masacre de la boda es la Viper conocida como Cottonmouth, O-Ren Ishii (LUCY LIU).A los siete años escapó del asesinato de sus padres. A los once tuvo su sangrienta venganza y desde entonces se ha convertido en la primera mujer -Jefe de Jefes- del yakuza japonés.
En Okinawa, The Bride adquiere un arma legendaria de manos de el último gran forjador de espadas samurai, el legendario maestro del ninjitsu Hattori Honzo (SONNY CHIBA). En Tokio, O-Ren es escoltada por sus mortales hombres de confianza a una reunión en un extenso restaurante/club nocturno, el House of Blue Leaves. El ataque de The Bride a esta fortificación resulta en una batalla de artes marciales contra cientos de soldados del escuadrón de choque personal de O-Ren, los Crazy 88s.
El ataque incluye la confrontación personal con dos de los auxiliares de O-Ren, su asistente personal, Sophie Fatale (JULIE DREYFUSS) y su guardaespaldas personal Go Go Yubari (CHIAKI KURIYAMA). El asalto culmina en un clásico y trágico enfrentamiento entre estas dos formidables guerreras. O-Ren y The Bride. Empezamos a sentir que la búsqueda por justicia podría cobrar una pesada cuota emocional a The Bride.
Días después en Pasadena, California, The Bride se aproxima a su segunda batalla con un Viper, Copperhead, también conocida como Vernita Green (VIVICA A. FOX).
La presencia en la escena de la pequeña hija de Vernita le da una lúgubre ironía a la historia de búsqueda y castigo de una viuda-madre.
Como una de las consecuencias de la batalla épica en Tokio, Bill aparece enpantalla por vez primera para interrogar a la única sobreviviente, Sophie Fatale acerca de las intenciones de The Bride.
(De las notas de Producción de Kill Bill. Traducción: Luis Vega.)
Tarantino y su puntería.
Resultaba difícil creer que Trarntino se encargaría de realizar una película de artes marciales, sobretodo porque su filmografía se basaba en la cultura gringa en su sustrato más bajo, la delincuencia organizada.
Tanto Reservoir dogs (Perros de reserva), Pulp Fiction y Jackie Brown son claro ejemplo de la maestría del también guionista para explotar situaciones inverosímiles e impactantes.
Para crear anti-héroes adictos a la heroína o ladrones venidos a menos, y polis con orientaciones muy pero muy raras.
Pero bastó con ver las primeras escenas del primer volumen de Kill Bill para quedar totalmente apanicado (sic).
Me sentí totalmente desepcionado de mí mismo, por no heber creído, por no haber tenido fe.
Con cada nueva escena, con cada secuencia con cada toma, esta cinta te sorprende una y otra y otra vez. Una vez que piensas que ya descubriste el hilo de la trama
Tarantino te sacude la cabeza con una retahíla de imágenes impresionantes y -gracias a dios- llenas de violencia como nunca antes la habíamos visto en ninguna cinta de Tarantino.
Los defensores de las buenas costumbres en el celuloide, muy probablemente, dejaron la sala antes de ver las preciosas secuencias de anime insertadas en la cinta, como implantes de silicón en una estrella porno, de manera imperceptible.
Nosotros estamos de plácemes porque el gran Quentin se nutrió de toda la filmografía oriental, se hace evidente la influencia del cine setentero de Hong Kong donde surgió el fenómeno pop-religioso que rinde culto a Bruce Lee.
Aunque no deja de lado la ceremonia y elegancia de los filmes nipones de los cuarenta. KBV1: ¡a verla ya!
Mr Freak Sin.

El Bebé de Rosemary cumple 35 años.

Por Miguel Cane para Milenio Diario 12-Junio-2003.
El 12 de junio de 1968, el celebrado cine Criterion de Nueva York fue la sede para el estreno de Rosemary's Baby, una muy anticipada película de terror producida (ya con sus últimos alientos) por el entonces casi agonizante estudio Paramount y llevando en el timón a Roman Polanski, quien había causado sensación en Europa y ahora tenía demasiadas expectativas puestas en él.
Del brazo de la impresionante Sharon Tate (con quien se había casado en enero de ese año), Polanski hizo su entrada a la sala y ocupó un lugar junto a su estrella, Mia Farrow -inmaculadamente drogada y en compañía de un pachequísimo Peter Sellers- para ver por primera vez con público una película que le había costado literalmente la paz de sus nervios.
Al apagarse la luz ninguno se imaginaba que iba a hacerse historia.
Cuando Ira Levin, un popular autor de comedias de Broadaway con oído impecable para los diálogos y un sentido del humor bastante agudo y siniestro publicó su segunda novela, El bebé de Rosemary, en el otoño de 1967, no se imaginó que había echado a andar un fenómeno que vendría a marcar géneros de literatura popular y cine comercial por décadas.
La historia de una ingenua ama de casa neoyorquina que se descubre víctima de un complot en el que participan su marido y sus vecinos, venerables ancianos aparentemente inofensivos que resultan ser unos brujos siniestros, llegó al tope de las listas de best-sellers y llamó la atención de un hombre llamado William Castle. Conocido como el rey del truco barato en lo que a cine de bajo presupuesto se refiere, Castle había logrado fama en los 50 con películas totalmente kitsch como 13 Fantasmas, Grita, grita hasta morir y Macabre, por citar algunas.
Aunque de mejor presupuesto que las realizadas por otra leyenda, Roger Corman, las películas de Castle eran básicamente "vaciladas" con actores de segunda y una estrella (Vincent Price o Joan Crawford) que se filmaban en tres semanas y tenían algún truco: venta de pólizas de seguro por "muerte por susto", o bien -la más terrible pero efectiva-; un aparato para dar toques que se escondía en algunos asientos de los cines y daban al pobre infeliz que tuviera la mala suerte de caer en uno de esos lugares, una fuerte descarga eléctrica en salva sea la parte.
Cuando Castle compró (por cincuenta mil dólares) los derechos de la novela de satanismo moderno escrita por Levin antes de que ésta se publicara, Bob Evans, entonces un joven y mercenario ejecutivo que trataba de sacar a flote a la Paramount, le preguntó si pretendía dirigir él mismo la adaptación al cine de la novela. Castle dijo que sí, y Evans le ofreció duplicarle el presupuesto para filmarla si a cambio, permitía que otro director se hiciera cargo de la historia. Castle hizo un tango de ida y vuelta, pero finalmente aceptó: un mejor presupuesto significaba actores más conocidos y una mejor distribución y más publicidad, ergo, mejores ganancias. Sin saberlo, así produjo la única película decente de su carrera.
Polanski era muy joven entonces (apenas 34 años) y desde su debut con Cuchillo en el agua (1962), uno de los directores más celebrados del viejo continente, donde junto con gente como Resnais, Godard, Truffaut, Bertolucci, Karel Reisz y Tony Richardson, había comenzado una revolución del cine. Evans había visto el espectacular tour de force de la bella y glacial Catherine Deneuve (convertida en el monstruo más hermoso del mundo) en Repulsión y estaba convencido de que para contar con la sutileza debida la historia concebida por Levin (a quien se le ocurrió para contarla en paralelo al embarazo de su esposa), se necesitaba a un director que fuera capaz de hacer algo como eso.
Además, Polanski estaba de moda pero no era tan "carero" como los otros directores del momento en Hollywood, así que lo buscó y le propuso hacer un proyecto juntos. Cuando Evans le ofreció Rosemary's Baby, Polanski se mostró suspicaz. "Primero pensé, ¿qué es esto? ¿Una soap opera? Al cabo de quince páginas ya no pude parar de leer y a la mañana siguiente le dije, está bien, hagámoslo."
Dada la popularidad de la novela, encontrar un elenco adecuado no fue muy simple, y mientras Polanski realizaba una fiel adaptación del libro (los diálogos son tomados palabra por palabra e inclusive los esquemas de color son iguales a los descritos en la novela) un quién-es-quién de los jóvenes actores actrices se dio cita en su oficina: el estudio quería reunir a Jane Fonda y Robert Redford, pero ésta tenía compromiso de filmar Barbarella en Francia para su entonces marido, Roger Vadim, mientras que Warren Beatty preguntó si él no podía hacerla de Rosemary.
Otras actrices como Candice Bergen, Tuesday Weld, Natalie Wood y Barbara Parkins mostraron interés en el papel. Jack Nicholson audicionó para el director, pero era poco conocido entonces. Sin embargo, estableció una camaradería con Polanski que los llevaría a filmar su propio clásico años después: Barrio chino (1974).
Fue gracias a Robert Evans que Mia Farrow llegó al papel que redefinió toda su carrera. Hasta entonces, la rubia veinteañera hija de Maureen O'Sullivan y el cineasta John Farrow, sólo había hecho una película y actuado en la exitosa (y sórdida para la época) telenovela nocturna Peyton Place: La caldera del diablo. Su principal fama le venía no por ser actriz sino por haberse casado a los 19 años, en 1966, con Frank Sinatra, quien era 30 años mayor que ella.
Frágil, delgadita, con cara de adolescente pecosa pero con mucho talento, Mia se puso en manos de Roman y permitió que éste la transformara en Rosemary Woodhouse: la típica muchacha americana, alguien con quien los espectadores promedio podrían identificarse de inmediato. Al leer el guión, Sinatra puso el proverbial grito en el cielo: ¿Su mujer desnuda? ¿Con otro hombre? ¿Y teniendo al hijo del diablo? Mia se vio en la disyuntiva de aceptar el papel que le daría credibilidad como actriz o aceptar la voluntad del marido que las más de las veces la trataba como una hija. ¿Resultado? En su camerino, Mia recibió la visita de un abogado de Frank, quien le hizo entrega de una demanda de divorcio.
Azotadísima por el repentino rompimiento con Ojos Azules, la Farrow se metió de lleno al papel y también a la terapia de canabina, por lo que fue facilísimo filmar con ella, ya que siempre estaba re dócil y "adoraba" a todo el mundo, como se puede ver ahora en el documental detrás de cámaras que acompaña la edición en DVD de la película. Al verla tan sacada de onda y aplatanada, Sharon Tate (quien aparece sin crédito ni líneas en una escena del film) decidió adoptarla por un rato y así el vínculo entre actriz y director se hizo estrecho, lo cuál benefició mucho a la película.
Mia creía ciegamente en Roman y cuando éste le indicó que, con la botarga de embarazada se lanzara en medio de la Quinta Avenida de Manhattan, mientras él la seguía con una cámara de mano, lo hizo encantada.
El Bebé de Rosemary es una cinta que se mete bajo la piel del espectador y se convirtió en un éxito de taquilla que salvó a su estudio de la ruina: su reputación provocó que por varios años surgieran "clones" suyos como El Exorcista, La Profecía o Centinela de los malditos. Ruth Gordon vio resurgir su carrera como actriz (y hasta un Oscar como mejor actriz de soporte obtuvo) por su interpretación de bruja maldita que resulta adorable, y Mia se convirtió en la superstar del momento.
Después del estreno, Polanski se encontró en la cúspide de una ola de popularidad que se vendría abajo un año después, con el brutal asesinato de su mujer e hijo nonato, y no faltaría quien señalara esta película como "culpable" de tal tragedia.
Sin embargo, al paso de los años, la cinta y su historia han sobrevivido todos los embates y sigue siendo considerada como un ejemplo de cómo estremecer a las audiencias sin una sola gota de sangre, sólo con lo monstruoso asomándose apenas en la orilla del ojo.

La Niebla. (The Fog) - Trailer


 Director: John Carpenter.
Antonio Bay, un pueblo costero en los Estados Unidos, está a un día de cumplir su primer centenario de vida.
Todo el pueblo conoce la historia de su fundación: un barco se atascó en las rocas de la costa y los pobladores rescataron el cargamento de oro, mismo que utilizaron para fundar el pueblo.
En la noche previa al aniversario sucesos extraordinarios rompen con la tranquilidad del pueblo.
Las luces de los semáforos y todas las máquinas se encienden por sí solas para finalmente dejar temporalmente todo en tinieblas.
Al mismo tiempo el sacerdote del pueblo hace un descubrimiento macabro. Un diario donde su antecesor relata la verdadera historia de lo que sucedió 100 años atrás. El barco inicialmente llegó para pedir ayuda, sus tripulantes eran leprosos que deseaban instalar una colonia en Antonio Bay.
Los fundadores respondieron asesinando a los tripulantes y apoderándose del cargamento de oro.
La única que parece darse cuenta que algo sobrenatural sucede es la locutora de la radio local. Quien tiene su estación sobre un faro.
Tiene la sorprendente visión de la niebla que se aproxima a las costas, mientras se reciben noticias de barcos pesqueros que se han perdido mar adentro.
John Carpenter ideó La niebla como una combinación de la clásica historia de fantasmas y algunos ingredientes de violencia explícita, se pueden ver algunas mutilaciones y algunos ojos salen de sus cuencas.
Ideal para verse en solitario con el viento y la lluvia golpeteando las ventanas de tu dormitorio.
Mr Freak Sin.

La Nave de la Muerte. (Event Horizon). - Trailer




Director: Paul Anderson. 1997.

E
l año es 2047: Una misión de rescate es enviada hacia los límites externos de nuestro sistema solar para rescatar la Event Horizon, una nave prototipo perdida siete años atrás.

La nave reaparece en la órbita de Neptuno enviando a la tierra un extraño mensaje en latín. Mientras la tripulación busca por sobrevivientes descubren secretos terroríficos que se ocultan dentro de la misteriosa nave.

Cosas extrañas comienzan a ocurrir y uno por uno sufre de perturbadoras visiones.


"Es una película de horror psicológico que me recuerda películas como El exorcista y El resplandor, pero en una locación totalmente única: el espacio exterior.
"Se mete a tu cabeza y encuentra tu peor miedo tu peor pecado y entonces lo convierte en carne y lo confronta contigo" comenta Paul T. Anderson director de de la cinta que en México se tituló La Nave de la Muerte.

Visualmente Event Horizon es una película perfecta, pero el premio se lo llevan los escenarios; todo luce 100% funcional. El resultado final nos recuerda a Alien de Scott y Hellraiser de Barker.

Para los fans del género híbrido del sci-fi/terror debe resultar todo un festín filmico digno de disfrutarse más de una vez.
Mr Freak Sin.

JOHN BYRNE

EL TRUCO DE JOHN BYRNE.

A
lguien dijo alguna vez que era difícil decir si John Byrne era mejor dibujante que argumentista y viceversa (creo que fué J. G. Holguín), sin embargo, la mayoría de los fans lo reconocen por su estilo realista y sencillo de dibujar, muchos se adentraron a los cómics gracias a él, y es él, en sus propias palabras quien nos dice ¿Cómo lo hace? Por supuesto nos referimos a dibujar.

Texto extraído de la sección de cartas de Next Men 49 Mayo 1992.
La mayoría de las personas que preguntan “¿Cómo lo hace?” Realmente quieren
saber El Truco, No quieren oír de mis 3 años en el colegio de Arte, mi trabajo como diseñador de carteles, mi entrenamiento durante-el-trabajo. Quieren que les diga que me levanto en la mañana, me siento a la mesa de dibujo, que coloco mi pie izquierdo en una cubeta de agua tibia mirando hacia el Este. O sea, el Truco.
Bueno, no existe tal truco. Sólo hay trabajo duro; generalmente en la industria el día de hoy cuando parece que el único prerrequisito para obtener trabajo es mostrar los rayos X de tus huesos es cada vez más difícil decirle a los dibujantes aspirantes que van a tener que Estudiar y Trabajar con el fin de obtener algo bueno en lo que hacen y así convertirse en profesionales.
Mientras me bañaba esta mañana me dí cuenta que había una relación entre un cómic con un buen arte y las cinco W’s del periodismo. Virtualmente todo lo que un lector necesita saber debe estar en las imágenes y es aquí donde las 5W’s entran.

1. (Who) Quién. Claridad para identificar. Es una regla primaria, si te retraes sólo en el disfraz para hacer al Personaje reconocible inmediatamente, lo estás haciendo todo mal, Dave Cockrum ha dicho que durante su permanencia en Legion of SuperHeroes, trabajó para individualizarlos a tal punto que pudieran estar desnudos y, aún así, el lector supiera quiénes eran, por esta razón es importante desarrollar la habilidad para crear rostros realistas y reconocibles, con o sin los adornos usuales del superhéroe.
Cabello de distintos colores es usual (para diferenciar personajes), pero aun más importante para hacer lo Correcto son las formas y estructuras faciales diferentes.
Nota importante: no te fijes en una característica de alguien. No te preocupes darle a tus personajes una nariz distintiva.
Encontrarás que si no es eres cuidadoso caerás en la trampa de darle a cada uno una nariz distintiva. Trabaja en dar diferencias más generalizadas.

2. (What) Qué. En otras palabras, los eventos de la secuencia. Una secuencia como yo la defino aquí, es básicamente lo mismo que una escena en una película u obra de teatro: una secuencia de acciones que empieza en un punto, termina en otro y se separa claramente de la que pasa antes y la que sigue.
La secuencia puede ocupar desde una viñeta, hasta un número entero, pero la importancia de dejar claro lo que sucede sigue igual. ¿Los personajes están sentados comiendo pizza?
Bien muéstrame la pizza, muéstrame que están sentados: ¿Uno de los personajes (digamos la chica principal -sólo para ser sexista) está hablando de cuán enojada se puso cuando a los 6 años vió a su hermano cortando con una sierra sus muñecas Barbie? Muéstrame su emoción -su verdadera emoción-. No solamente sus dientes apretados o sus cejas fruncidas.
No caigas en la trampa en la que muchos artistas jóvenes parecen atascados: Dos expresiones básicas: una es una mueca y la otra no lo es.
Una ceja elevada puede ser infinitamente más elocuente que un puño apretado.

3. (Where) Dónde. El lugar siempre es importante. Los peores cómics se desarrollan en un limbo indefinido, una vez más, a menos que haya una razón en la historia para que haya escenarios blancos u oscuros.
Si nuestros personajes aun están comiendo Pizza, ¿En dónde lo hacen?, ¿En el comedor de la pizzería?, ¿En la sala de alguien?, ¿En una cafetería escolar?, ¿El comedor del Titánic?
Todo esto es importante, como lo es caracterizar la locación con algo mas que pueda enriquecer el disfrute del lector de la secuencia en un nivel subliminal.
No te vuelvas loco con los escenarios, pero intenta darnos habitaciones que parezcan mas que un decorado para una escena. Si estamos en la sala de alguien, haz que parezca habitada, Coloca algunas revistas en la mesa del café,
Si estas en una oficina, haz que parezca el lugar que un ser humano ocupa diario. Fotografías de su esposa e hijos en su escritorio, ¿el tipo tiene un pasatiempo?, ¿Un par de trofeos de boliche? Una oficina es más que un escritorio y un par de sillas. Un almacén es más que un par de cajas.
Y recuerda sobretodo que si hay algún punto en la historia donde vamos a regresar a este lugar es tarea del artista que sea reconocible instantáneamente, "Mientras tanto de regreso al rancho" es una leyenda innecesaria si el artista hace bien su trabajo.

4. (When) Cuando. En los cómics solamente existen cuatro tiempos: noches, día, amanecer y ocaso. A menos que estés decidido a hacer elaborados efectos de sombreado, no hay demasiado entre la noche y el día como no tiene demasiado sentido mostrar si son las 4 de la tarde.
Deja que de eso se ocupe el escritor si es importante al igual que debe decirnos si es el amanecer o el ocaso. Las estaciones del año son más fáciles, aunque primavera y otoño se puedan confundirse si no eres cuidadoso.
5. (Why) Porqué. Finalmente algo que solamente puede hacer el escritor: la motivación no se puede retratar en imágenes por sí misma.
Por esto necesitamos palabras, a menos que estemos preparados para hacer historias silenciosas más elaboradas de lo que los cómics contienen.
El trabajo del artista neófito es aprender cada una de las W’s, tanto que se vuelva una segunda naturaleza.El armar el Quién, Qué, Dónde y Cuándo.
Yo sé que esto es difícil, Sé que dibujar los escenarios es la parte más aburrida de los comics.
Pero -confía en mí- si te obligas a hacerlo una y otra vez y una vez más, llegarás al punto donde como masoquista encontraras que el dolor se vuelve placer.
Ahora es mi parte favorita del trabajo... casi.

JOHN BYRNE.
Traducción, compresión, explosión y expulsión: Luis Vega.

El Cine de Ficheras

El cine mexicano ha madurado mucho desde sus inicios actualmente podemos disfrutar de películas de alta calidad en su lenguaje visual y narrativo, tales como Crónica de un Desayuno de Benjamín Can o Amores Perros de Gonzáles Iñárritu, y la experiencia digital de Ripstein en Así es la vida.

Antes de esto existió una industria cinematográfica de oro en México, las décadas de los treinta a los cincuenta fueron tiempos gloriosos para nuestro cine, cientos de producciones de calidad se realizaban anualmente en nuestro país.

Pero en toda evolución hay una etapa intermedia, una adolescencia de la vida,
en la que las ideas revolotean sin control y los impulsos se anteponen a la razón,
donde se realizan acciones no siempre correctas, no siempre apreciadas.

En México el cine tuvo su adolescencia en los sesentas y setentas marcando una nueva forma de hacer cine en masa, para muchos esta época es el bache de una industria que se pensaba alcanzaría grandes niveles.

Durante las décadas mencionadas vieron la luz los filmes más diversos y complejos que se puedan imaginar para un país como México acostumbrado a películas de corte costumbrista, dramático y romántico.

La ciencia ficción y fantasía se hicieron presentes en las producciones mexicanas
así como las películas de seudo hippies, con los cantantes Angélica María o el Quique Guzmán, las películas de acción mexicanas debutaron y también las películas trágicogore que representaban hechos reales de la vida de una nación decadente.

Así tuvimos el placer -para algunos- o la desgracia, de ver las películas más dispares del México puberto, disfrutamos a El Enmascarado de Plata como nuestro verdadero y único héroe nacional, tuvimos nuestro espía gracias a Julio Alemán, aventuras fantásticas como El Terrible triangulo de las Bermudas o Robinsón Crusoe con Hugo Stiglitz, de igual manera gozamos con los Almada Brothers y la Chagoyán y sus enormes nal... traileres.

Pero dentro de estas producciones surgió un genero que levantó cabezas de espectadores agobiados por la crisis y el derrumbe de sus sueños, las fantasías del hombre feo y pobre se realizaban en celuloide...

Las Ficheras entraron por la puerta grande y los cómicos de la carpa saltaban al cine para criticar y hacer mofa de la situación de su país.

Aquellos críticos de cine que tengan un promedio de edad entre 40 y 70 años y
que digan que estas películas eran basura, se muerden la lengua, muchos de ustedes críticos, le jalaban el cuello al ganso con estos filmes, babeaban cada vez que veían a una vedette carnudita en todo su esplendor.

Y ustedes jóvenes de hoy, por favor, ustedes esperan con ansias las noches del domingo por Galavision para aprenderse los albures y ver a las reinas del desnudo nacional en plena acción, aunque sean frustrados sus deseos cuando cortan las mejores escenas o bipean las peladeces y los mejores albures.

Bueno basta ya de retórica barata y malas introducciones, empecemos con un recuento de la historia de estas películas favoritas de la nación: Bastó un sexenio para que la industria cinematográfica apoyada por el Estado se desplomara ante la inercia e indiferencia de los nuevos funcionarios encargados de continuar con la labor cinematográfica.

Antes de que el Presidente José López Portillo nombrara a su hermana Margarita como Directora de Radio, Televisión y Cinematografía con la idea de "propiciar un retorno al cine familiar" y "regresar a la Época de Oro", y la administración de López Portillo desmantelara las estructuras de la industria cinematográfica estatal creadas un sexenio antes.

Tratando de internacionalizar al cine mexicano trayendo a directores extranjeros a filmar a nuestro país. Dejando de apoyar a los directores que habían producido filmes de éxito en el sexenio anterior.

Y que a final de cuentas, el presupuesto oficial para el cine mexicano desapareció en el mar de la deuda externa. Antes de esto la industria del cine nacional optó por realizar un tipo de filmes que representaran las carencias de la nación, pero que a la vez reflejaran el sentir valemadrista de todos los mexicanos ante las acciones de su pésimo gobierno.

Ésta industria caracterizada por producir películas de bajo costo en muy poco tiempo y con nula calidad prosperó y se enriqueció a lo largo de la década de los setenta.

BELLAS DE NOCHE (1974) y LAS FICHERAS(1974), ambas dirigidas por Miguel M. Delgado, y producidas por el icono del cine de Ficheras: Guillermo Calderón Stell iniciaron la corriente del cine de Ficheras, cabaret y albures.

A diferencia de sus antecesoras, las rumberas, estas nuevas "damas de la noche" aprovecharon las modificaciones de la Ley de Censura Cinematográfica para prodigar desnudos y palabrotas.

Muchas de estas películas debido a su fama tuvieron secuelas de hasta cuatro partes, sea el caso las Calenturas de Juan Camaney con el "chido" Luis de Alba.

En estas películas desfilaron los nombres de actores que escribirían la historia, muchos de ellos y a pesar de las criticas aun son reconocidos y recordados, algunos aún trabajan para alguna de las dos televisoras, entre estos actores los cómicos son los que más se recuerdan y no tanto las encueradas, a excepción de aquellas favoritas comoSasha
Montenegro, Isela Vega o Angélica Chain.

Los albureros de siempre que son fácilmente identificados, como Alfonso Zayas, Lalo El Mimo, El Güero Castro, Polo Ortín, Rafael Inclán, Luis de Alba, Condorito, Tun Tun, César Bono, Flaco Ibáñez, El Comanche, Pelón Solares, etc.

Todos estos hombres se dieron a la tarea de realizar las fantasías de la clase trabajadora de bajos recursos, los mecánicos, los albañiles, los lecheros y jicareros (aquellos que sirven el pulque) y demás profesionistas gozaban viendo su vida en las pantallas, pero con un extra, que las mujeres que salían en el filme eran mamachitas, y no los constantes espantapájaros que se ligaban en las tortillerías.

Pero dentro de todo este argot peliculero y alburero hay un trasfondo más interesante, aspectos sico-sociales, las tramas, los desenlaces, las actuaciones.

Todo esto es de analizarse, pero hoy no, así que... chicos préstenme su atención para el próximo número donde hablaremos del contenido específico y complejo de este tipo de películas, y recuerden si alguien les dice que se la jalan mucho por ver estos filmes díganle que lo único que jalan es a su madre.

Gabriel Jiménez.

El Topo - Película de Alejandro Jodorowski - Película Completa




Director: Alejandro Jodorowski. 1969.
En el mundo del cine hay películas que se han ganado la reputación de imprescindibles, ya sea por sus méritos artísticos o técnicos. El Topo es una de ésas películas.
El director chileno Jodorowski provocó reacciones múltiples con esta su tercera cinta, antes filmó Apolinar y Pubertinaje, Fando y Lis, La Montaña Sagrada y después en los ochenta filmó Santa Sangre, todas rodadas en México.
El Topo es un western que en un principio no se distingue de las cintas donde Mario y Fernando Almada echaban bala. Pero conforme la trama avanza y los personajes bizarros y complejos se apropian de la pantalla nos damos cuenta que la cinta puede resultar demasiado para las mentes que no estén listas para recibir una alta dosis de violencia.
Un hombre a caballo avanza sobre la sábana interminable del desierto. No es un hombre que hable mucho, como todo pistolero, deja que su revólver lo haga. Lo encontramos en medio de su cruzada, todo héroe la tiene, la suya es derrotar a los cuatro Amos del Desierto. Pero para derrotarlos tendrá que servirse de algo más que las balas en sus cananas.
El topo es un viaje espiritual por ideologías conocidas e ideologías incógnitas envueltas en cuero y cubiertas por sombrero. No es un viaje fácil, pero qué viaje que valga la pena lo es.
El Topo a mi consideración tiende una red inmensa que pretende abarcar la complejidad espiritual que conforma nuestra humanidad y lo logra. Puede que nos veamos retratados o puede que no seamos capaces de ver nuestro propio rostro reflejado en alguno de los personajes que pueblan la cinta. El Topo tiene todo lo necesario para que la consideres un bodrio repulsivo y pretencioso o simplemente una película cabrona.
Mr Freak Sin.

Actualización Martes 12 de Junio de 2016:
Gracias a Matías por subir la peli a YouTube. Disfrutenla.

Actualización Sábado 18 de Octubre de 2015:
No hay videos disponibles de la película completa en YouTube. Así que por el momento búsquenla en los servicios de películas en línea gratuitos. 
Si conocen de algún sitio que permita insertarla directamente, pueden mandarnos el link en los comentarios.
 
Actualización Miércoles 30 de Octubre de 2013:
Encontré la película en YouTube, así que disfrútenla mientras esté en línea.


Actualización Domingo 8 de Septiembre de 2013:

Lamentablemente ha desaparecido de la web la película completa para su libre distribución, en cuanto haya una fuente disponible volveremos a colocarla en esta página.
Si conocen de algún sitio que permita insertarla directamente, pueden mandarnos el link en los comentarios.
 
Mr Freak Sin.

El Día de los Muertos. (Day of the Dead). Película completa



Director: George Romero.
El mundo ha sucumbido ante la inevitable embestida que representa el creciente número de muertos vivientes y les cede el espacio que antes considerábamos propio, relegándonos a refugios subterráneos.
Refugios que son administrados por mandos militares. En el refugio que nos interesa el Capitán Rhodes ha quedado a la cabeza después de la muerte de su inmediato superior. Es entonces cuando ejerce una presión excesiva sobre los científicos que investigan la fisiología de los muertos que caminan, para lo cual han dispuesto de una docena de ellos y a manera de ganado los mantienen dentro de un corral.
Los conflictos entre los militares y los hombres de ciencia aumenta ante la impaciencia de Rhodes al ver los resultados que ofrece el Dr Logan y su equipo. Sorprendentemente el Dr ha descubierto que los muertos pueden ser adiestrados de manera que recobran el uso limitado de su raciocinio.
Pero desafortunadamente Rhodes se enfurece cuando se da cuenta que Logan ha utilizado los cuerpos de los soldados muertos para alimentar a su zombi más adelantado. Lo cual desata una revuelta que lleva a la separación definitiva de los gremios.
Hasta ése momento todos estaban bien resguardados del peligro, pero la tensión es demasiada para uno de los trabajadores de la base y se convierte en el elemento que rompe el frágil balance entre seguridad y el exterminio.
Para esta entrega de la serie, Romero nos encierra en un claustrofóbico encuentro de pesadillas donde el enemigo mas peligroso de los vivos son los propios vivos. El hombre racional va cediendo lugar a la barbarie que lleva en su interior, su instinto básico de supervivencia lo ciega ante posicionamientos morales o de grupo.
El día... viene siendo un título engañoso. Con el día viene la luz; pero la mayoría de la gente vive bajo tierra en una noche eterna.
Con un nuevo día se renuevan las esperanzas; pero es durante el día que uno de los guardias decide enfrentar su mas grande temor y se deja devorar vivo.
Al final del día y de la película Romero nos receta una secuencia que rompe con el panorama planteado durante toda la serie y nos deja con una ¿falsa? sensación de certeza.
Mr Freak Sin.

El Amanecer de los Muertos. (Dawn of the Dead).



Director: George Romero.
Secuela cronológicamente directa a La Noche de los Muertos vivientes que retoma el planteamiento original enfocándolo de una manera diametralmente opuesta.
Peter y Roger pertenecen al cuerpo de policías que, acompañados por escuadrones del ejército, se dedican a combatir o, mejor dicho, erradicar a los muertos que a manera de plaga van superando en número a los vivos. En la última redada Peter luce cansado o harto de su tarea.
Stephen es piloto de una estación de televisión y ha decidido que ésa noche huirá junto con Francine su novia quien también trabaja en la estación. Esa noche hurtará el helicóptero de la televisora y también le acompañarán unos apresurados Peter y Roger quienes también han decidido desertar.
Juntos tratan de encontrar un lugar que se encuentre libre de los zombis o que brinde un respiro de paz.
Después de horas de vuelo deben descender para reabastecer de combustible al helicóptero.
El escenario general les da pocas esperanzas: todo luce invadido por seres que se mueven con terrorífica lentitud. Pero a la distancia descubren un centro comercial, el hambre y el cansancio les obligan a descender en el techo del edificio.
Durante días disfrutan de la limitada seguridad y comodidad que el lugar ofrece.
Sin embargo un tercer factor entrará a la ecuación y conducirá a un clímax sangriento: una banda de motociclistas ha descubierto el pequeño paraíso de nuestros héroes y han decidido invitarse, pero al romper las barreras de contención que detenían el ingreso masivo de los muertos, se desata la matanza.
Romero no dió el paso lógico y predecible de repetir la exitosa fórmula de la cinta anterior, sino que la dotó de un igrediente insólito: humor. Dándo forma a lo que Peter Jackson definiría en BAD TASTE: la comedia gore.
Mr Freak Sin

RINGU - trailer


 

Japón 1999. Director: Hideo Nakata. 



La trama se sustenta en una leyenda urbana que surgió en el circulo escolar japonés.
Esta leyenda dice que después de ver un video, recibes una llamada telefónica que te sentencia a morir en una semana.
Para Reiko Asakawa (Matsushima Nakano) la leyenda se convierte en una tragedia familiar cuando su sobrina Tomoko Oishi, muere inexplicablemente dentro de su casa y la única testigo ha perdido la razón.
Reiko utiliza los recursos que tiene como reportera y se dispone a investigar las causas de la muerte de Tomoko, lo que eventualmente la llevarán a encontrar y ver el video y tratar de contrarestar la maldición.
El guión de Koji Suzuki hace algunos cambios a la novela que lo originó, en la obra literaria el protagonista es un hombre. Pero lo realmente relevante conciste en la manera de proyectar suspenso y terror.
La cinta no es un slasher, splatter o gore, no hay un gran despliegue visual en relación a las muertes de los condenados, otra diferencia con la novela. Todo sucede a un nivel mas sutil, pero no menos efectivo.
La cinta retrata distintas manifestaciones paranormales que Nakata relaciona con el teatro Kabuki y el teatro Noh, donde es común la intervención de personajes procedentes del reino de los muertos.
La música y los efectos de sonido le dan gran fuerza al filme, sobretodo en las escenas de mayor tensión.
Nakata resume el trabajo de Kenji Kawai y su trabajo en la banda sonora: “(...) El resultado es que al final, no puedes distinguir donde termina la música y donde empiezan los efectos sonoros porque están tan unidos que no se pueden sustentar el uno sin el otro”.(1)
Decir que la versión de Nakata es superior a la de Verbinski (Ring) podría ser cierto pero es una afirmación simplista que no nos lleva a nada. Ambas cumplen y nos dan momentos terroríficos con distintos enfoques del mismo escenario.
(1) Fangoria núm.2. Edición española. Nov.2000
Mr Freak Sin

ADAM HUGHES - Good Girl artist -

Dentro de la industria del cómic gringo un artista se puede hacer fama de muchas maneras. La más lógica tiene que ver con la misma habilidad del dibujante, entintador o colorista.
En otras ocasiones interviene la originalidad en los trazos del susodicho(a) o ya sea la utilización de un realismo impactante o una síntesis encantadora.
Como podrán ver Adam Hughes es un artista extraordinario, su calidad artística no se reduce a la aplicación del grafito al papel, en algunas de las obras que presentamos podrán ver que la aplicación de color por computadora redondea a la perfección cada pieza.
Hasta este punto ustedes dirán que hay cientos de artistas con aptitudes similares o superiores, entonces ¿qúe tiene este tipo en especial?
Pues bien si para ustedes no es suficiente lo que hemos contado, déjenme decirles que el señor Hughes es reconocido a nivel mundial por ser un Good Girl Artist.
Para comprender lo que el término implica,hagamos un poco de historia: durante los años cincuenta el cómic estadounidense estaba en la cima, grandes volúmenes de producción y una gran variedad de títulos. Había una gran libertad creativa y dentro de ése escenario aparecieron las Bad Girls o chicas malas.
En resumen las chicas malas eran féminas retratadas de manera liberal para los tiempos: enseñando piernas y brazos desnudos además de asumir poses muy sugestivas. Los personajes además eran referente de contrapartes masculinos ya explotados con anterioridad, así encontramos vaqueritas que ostentaban tremendo látigo o la mujer citadina portando un revólver.
Pues bien, a los artistas designados para dibujar y en muchas ocasiones pintar a estas niñas malas se les designó genéricamente como Bad Girl Artists.
Ahora bien un Good Girl Artist como Hughes se encargan de representar chicas buenas en todos los sentidos posibles.
Para terminar, debemos aceptar que no todo es miel sobre hojuelas, no. El referido señor Hughes, tuvo a su bien crear un síndrome. El sídrome Hughes se explica así: la calidad artística es inversamente proporcional a la rapidez con la que desarrollan su trabajo.
Sí niños y niñas, todos los artistas que sufren de este síndrome (entre ellos Travis Charest, Jimm Lee, Jeff Scott Campbell y Joe Madureira) no son capaces de trabajar en un título regular porque no pueden dibujar las 24 páginas mensuales a tiempo. Pero bueno, a nosotros lo que realmente nos importa es ver los resultados de su trabajo.
Comicómico.

Avalon - Trailer


(Japón-Polonia). Director: Mamoru Oshi.
Ash es una de las mejores jugadoras solitarias que hay, sin embargo existen riesgos, al parecer hay algo extraño en el sistema y hace que se pierdan las mentes de algunos jugadores.
La leyenda entonces cobra vida: existe un nivel oculto al cual sólo los mejores jugadores pueden acceder, y para esto se requiere atrapar al fantasma, que es una niña que aparece cuando se está en la etapa final del juego, Lo único malo es que se corre el riesgo de no regresar jamás a la realidad. Si es que en verdad es la realidad.
Esta es la premisa de un cuento futurista donde la realidad es demasiado simple, y la vida diaria es algo que se desea olvidar.
Avalon no es la isla donde descansa el rey Arturo, es uno de los video juegos más populares de realidad virtual que existen, se ha vuelto parte de la vida de muchos, ahí no sólo se olvida la insoportable rutina, se adquiere dinero por participar y las apuestas generan recursos para sobrevivir.
Es un juego de táctica militar, donde puedes pertenecer a un equipo, o ser one player game.
Avalon es una isla de ensueño, llena de doradas manzanas, donde los héroes se embarcan para descansar y ser recordados en esta ultima morada...
Las imágenes son excelentes, la ambientación del futuro sin pretensiones al desastre mundial, establecen las bases sólidas de un posible y cercano destino. Se manejan tonos oscuros y de un alto contraste entre el sepia, negro y blanco, y después un cambio radical a todos los colores para retratar la posible realidad dentro de la fantasía.

Los efectos especiales son, sino impresionantes, bastante efectivos para ser una producción modesta en comparación con las de Estados unidos.
El director Mamoru Oshi, le imprime un estilo visual similar al Anime, de hecho la trama en general se basa en ese estilo del manga animado, existen los retos de un enemigo mas fuerte, las clasificaciones de los guerreros, los nombres de los equipos, los estereotipos del héroe samurai, del enemigo misterioso, del amigo fastidioso que en el fondo es bueno, etc.
Para aquellos que no les gusta el manga, resultará tediosa y desesperante, la trama no es muy novedosa, los personajes son irritantes por que tienen las mismas personalidades que puedes encontrar en una caricatura japonesa, Ash es arrogante y solitaria porque perdió a su antiguo amor y se siente responsable de la derrota de el antiguo equipo.
El Némesis es un jugador solitario, arrogante y misterioso, el enlace entre el pasado de la protagonista y su presente es un antiguo compañero, que no es más que el bufón fracasado que vende información para vivir, pero que se sacrificara por su amiga.
Los niveles de reto son absurdos como en el manga, tan aburrido como lo hacen los actuales dibujos animados Bay blade (trompitos) y Yugi oh (jueguitos de cartas para freaks), así que tal vez no es para todos los gustos, ni siquiera su conclusión la salva, ya que plantea si lo que esta dentro de la maquina es la realidad y lo que se vive es la fantasía.
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Gabriel jiménez.

En la Boca de la Locura (In the Mouth of Madness) - Trailer

Director: John Carpenter.
Esta es la película con más referencias literarias a cuentos de H.P. Lovecraft que hay a la fecha, algunos puristas estarán en mi contra a esta afirmación, ya que consideran que ningún filme hará justicia al maestro de lo preternatural.
La historia gira en torno a un investigador de fraudes empresariales, al cual le es encomendado buscar a Sutter Cane, escritor de novelas de horror que ha desaparecido sin terminar su más reciente novela, en el transcurso de esta búsqueda, la odisea de lo sobrenatural comienza, llevando al protagonista hacia la locura.
Tal vez esto no suene a Lovecraft, sin embargo existe dentro del guión y sus múltiples secuencias, referencias claras para aquellos que hemos disfrutado los cuentos de Nueva Inglaterra.
Por lo que este desperdicio de palabras es sólo para aquellos que tienen referencias de quien o que es lo Lovecraftiano.
La primera y más clara es el titulo de la película, in the mouth of madness, es sin duda alusión a -At the mountains of madness-, novela corta de Lovecraft (1931), el título en español tal vez no es tan evidente:-En la boca de la locura - pero nos recuerda -Las montañas de la locura-, otra obra de HPL.
Pero en el juego de palabras en ingles la referencia es clara.
La siguiente referencia es el estilo narrativo, siempre la narración del protagonista desde el final y hacia atrás, la siguiente atribución es el fanatismo de los lectores, similar al que hay por Lovecraft, y sin alusiones personales hay bastantes locos que creen en Lovecraft como si fuera un dios, e incluso esa es otra referencia, que las personas creen que lo que leen es realidad, similar a lo que pasa con el Necronomicon que muchos piensan que existe.
Otras similitudes son las portadas de los libros, referencia actual a las ediciones con diseños de Giger, donde muestra a monstruos reptiles y con tentáculos en las bocas, recordando a viejos dioses como Dagon y Yog Shoggoth, otra evidente referencia es el lugar donde supuestamente esta oculto Sutter Cane.

Hob´s End, supuesto pueblo de uno de sus cuentos: El Horror de Hob´s End, clara referencia a El Horror de Dunwich, que muy acertadamente en la película lo localizan enNueva Inglaterra, lugar de nacimiento de Lovecraft y paisaje de sus cuentos más conocidos.
Y eso no es todo dentro de este pueblito la gente se esta transformando en seres amorfos como pasa en la mayoría de los cuentos de Lovecraft, de hecho el hotel donde se hospedan esta atendido por una viejecita de apellido Pickman, referencia a un cuento llamado El modelo de Pickman, también hay una iglesia que visualmente es referencia a el cuento El morador de la sombras, hay mas referencias visuales a los monstruos de Sutter Cane, que obviamente son similares a los de Lovecraft...
En los cuentos se hace mención de seres que moran en los abismos y que pugnan por regresar a un mundo que les pertenecía desde tiempos inmemoriales, para finalizar una ultima similitud, el protagonista termina loco, por ser el único que sabe la terrible verdad, comotodos los personajes principales de Lovecraft.
Si alguno de ustedes sabe de más referencias que se me hallan pasado o me quiere mentar la madre por haber mancillado al papi de papis del terror, puede dejar su comentario.
Gabriel Jiménez